août 9, 2022
Juxtapoz Magazine – Vivre dans les couches : une critique de John DiPaolo
Art

Juxtapoz Magazine – Vivre dans les couches : une critique de John DiPaolo

La 10e exposition personnelle de John DiPaolo à Dolby Chadwick a débuté à San Francisco le 2 décembre. L'exposition satisfera et surprendra. Là pendent, dans toute leur puissance sculpturale, les abstractions gestuelles et multitexturales à grande échelle pour lesquelles il est connu. Les angles disjonctifs mais en quelque sorte harmonisés des tons chauds et froids prédominés par les blancs, les bleus et les oscillations d'orange attirent le spectateur à se rapprocher. La sensation familière d'un enfant avec le nez collé à la vitrine d'une boulangerie revient. Nos yeux salivent. L'application de peinture épaisse et délicieuse de DiPaolo est tentante comme un gâteau nouvellement battu.

Ensuite, une voix intérieure de bienséance incite à faire quelques pas en arrière et un changement se produit. Le délice de la confiserie passe à la rencontre cosmique. Ouah. A quoi assiste-t-on dans l'acte d'émergence ? Ce qui semblait initialement être des couches de pigments astucieusement placés s'est rassemblé en une force cinétique qui s'étend vers nous. Un monde d'origami se dévoile devant nous, nous tentant avec ses secrets. Un sentiment de nudité s'installe, mais on ne sait pas si c'est la composition peinte ou nous qui sommes ceux qui sont déshabillés.

DiPaolo nous a emmenés en territoire primitif. Nous sommes dans un espace d'éveil. Le titre de l'émission Light After Darkness a un écho biblique. De la boue et de la fange émergent les mers, les forêts, les animaux, les végétaux et les minéraux de l'existence. Les teintes de DiPaolo prennent une signification symbolique. Robert Motherwell a animé son plan d'image en choisissant des couleurs associatives riches. DiPaolo aussi tire l'aube d'un vide. Le bleu devient une proto-onde : des molécules de matière avant que la météo n'existe pour transporter l'énergie de l'hydrogène et de l'oxygène vers des rivages lointains. Nous sommes suspendus dans la teinte ambrée d'un instant avant que les aléas de l'expérience et les irritations de la vie moderne ne nous distraient.

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Et pourtant, les réalités d'aujourd'hui restent en nous. Light After Darkness suggère également une réémergence plus récente, de la bulle des ordres d'abris sur place et de la pratique continue de masquer nos bouches pour se parler. Dans des peintures telles que Indigène et Camelion, DiPaolo exerce non seulement bien son choix de titres, mais son utilisation de l'obscurité sur les bords de la toile, pour renforcer l'émotion de l'émergence. L'obscurité devient encore plus élémentaire pour une peinture comme Phosphorus, qui résonne comme une radiographie. Des coups de pinceau blancs brillent comme des os sur le sol d'une ancienne grotte ou sur l'écran illuminé d'un cabinet médical. Cette qualité envoûtante est juxtaposée dans Revolver #5, un diptyque qui déploie cet effet photo négatif dans un panneau, tandis que l'autre panneau capture l'écho plus vibrant de sa forme. Est-ce avant et après ou une étreinte visuelle viscérale de la notion de capacité négative de John Keats ?

La terreur, le mystère et la joie de l'art, c'est que, que ce soit en regardant une peinture ou en écoutant un poème, on n'a pas besoin de résoudre cette tension. Leur vérité, ainsi que leur beauté, se situent dans l'espace entre le savoir et l'être. Notre lien avec les grandes œuvres devrait évoluer à mesure que nous traversons de nombreuses ombres et l'éclat tacheté de nos jours. La surprise de cette exposition est un souvenir qui ressemble à une révélation. Le travail est typiquement DiPaolo et pourtant entièrement frais.

In The Light Surrounding Us… et Peripheral Vision DiPaolo ajoute des bandes de couleur le long des bords supérieur et inférieur de ses compositions. Ces cadres dans le cadre semblent contenir les scènes centrales explosives, comme pour rappeler au spectateur que, mis à part les réactions viscérales, ce sont des abstractions peintes. En utilisant plus d'une bande en haut et en bas et en variant les couleurs, il y a une méta ambiance ludique qui se dégage. Plutôt que de répéter ce scénario à la Borges, dans Untitled Green Band, DiPaolo place une nette bande de vert juste au-dessus du point à mi-chemin, donnant à la composition le champ de profondeur d'une nature morte ou d'une peinture de paysage, d'autant plus que le royaume inférieur semble lécher et survoler la bande comme s'il avait du mal à se contenir. L'effort contre les restrictions dans ces deux œuvres rappelle le monde naturel et la folie des tentatives de l'humanité pour le contrôler.

Je soupçonne que vivre avec une peinture de John DiPaolo au fil du temps deviendrait moins un examen des multiples strates de l'artiste qu'une invitation à parcourir la sienne.

Le poème de Stanley Kunitz «Layers» me vient à l'esprit.

J'ai traversé de nombreuses vies,

certains d'entre eux m'appartiennent,

et je ne suis pas qui j'étais

Ne ressentons-nous pas tous cela, quel que soit notre âge, notre stade ou notre situation ? Le poème se termine par ce vers :

Je n'en ai pas fini avec mon changements.

Amen à cela.

Texte de Tamsin Smith// Light After Darkness de John DiPaolo est visible jusqu'au 29 janvier 2022

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