août 12, 2022
Juxtapoz Magazine – Présence du passé : la représentation volontaire de David Ligare
Art

Juxtapoz Magazine – Présence du passé : la représentation volontaire de David Ligare

David Ligare fait des peintures sur des idées. Il y parvient en restituant des scènes avec une grande habileté technique à partir d'histoires ancrées dans la mythologie classique qui comprennent maintenant de nombreux textes fondateurs de la culture occidentale. A une époque où les artistes contemporains évitent la peinture narrative historique ; préférant l'art conceptuel, l'abstraction ou le réalisme traditionnel, les peintures de Ligare peuvent sembler anachroniques en comparaison. Mais beaucoup de ces critiques seraient surpris d'apprendre comment il en est venu à son sujet. C'est précisément l'impulsion de l'innovateur à faire quelque chose qui n'était pas fait par d'autres qui l'a conduit à ce style de peinture. Plus de quarante ans plus tard, Ligare continue d'exploiter de riches récits historiques qui offrent des moyens de traiter les défis éthiques contemporains et de donner un sens à nos vies complexes.

Le travail de Ligare pose la question de savoir si les peintures peuvent conduire à un discours rationnel dans le contexte des idées et de l'histoire qui ont fondé la pensée occidentale. Sa marque d'humanisme favorise l'agence et le choix. Il explore des récits qui, bien que singuliers, parlent en réalité d'expériences partagées et de valeurs culturelles qui sont découvertes en s'engageant dans une enquête morale et philosophique. Enraciné dans les mythes occidentaux, il traverse des thèmes qui traversent les frontières culturelles et nationales et présente des leçons de morale qui sont des archétypes partagés provenant de cultures distinctes, bien que son travail se concentre sur les traditions gréco-romaines. Les peintures de Ligare, en plus d'être magnifiquement rendues, sont ambitieuses. Dans l'environnement actuel de polarisation politique et d'affirmations trompeuses sur les réseaux sociaux, son travail inspire une quête de connaissances et les idées associées qui émanent d'une enquête véridique.

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Arète, Excellence et Vertu Morale

Exposition actuelle de Ligare à LewAllen Galleries à Santa Fe, Nouveau-Mexique Présence du passé

, comprend seize peintures principalement des deux dernières années comprenant des natures mortes, des paysages et des peintures figuratives évocatrices de croyances culturelles fondamentales. La peinture la plus remarquable et la plus dramatique, la plus grande de l'exposition intitulée «Arete II» (huile sur toile, 72 x 94 pouces, 2021), représente un homme noir sur un cheval blanc, sur fond de plage; à première vue, il semble être simplement ce qu'il représente visuellement. Mais son titre Arete fait référence à une idée de la Grèce antique, faisant référence à l'excellence et, en fait, à la vertu morale. Le concept évoque le désir d'accomplir le but et d'atteindre le maximum ; en effet, pour vivre votre meilleure vie. Peint à la suite du meurtre de George Floyd et du mouvement Black Lives Matter, on ne peut s'empêcher de faire une association.

Ligare a cité le travail d'Elaine Scarry, « On Beauty and Being Just », lors de la discussion de son travail. Elle postule que la beauté nous pousse vers une plus grande préoccupation et compréhension de l'équité, en effet, que la beauté est la justice ou une valeur qui penche fortement vers elle. Les représentations de la beauté dans les peintures et les objets véhiculent l'équité et la justice en raison de leur impact sur nos perceptions sensorielles; nous pouvons ressentir leur sentiment d'achèvement et d'intégrité. Pour Ligare, les représentations de la beauté nous mettent visuellement au défi de satisfaire à de plus grandes obligations civiques et d'inspirer la croissance personnelle, bien qu'il ne s'agisse pas d'arrogance ou de narcissisme. Comme sa propre forme de représentation, ce n'est pas la perfection qu'il poursuit, mais plutôt la façon dont l'homme et la femme ordinaires acquièrent un statut exalté alors qu'ils jouent leur vie dans des drames qui seront plus tard codifiés comme des mythes. Ici, Ligare nous dit que cet homme noir incarne l'excellence (Arete) ; nous avons simplement besoin de confronter nos propres préjugés ; qui sont curieusement évoqués au moment où la plupart d'entre nous voient l'homme noir aux contrastes marqués sur un cheval blanc. Le fait que nous trouvions le sujet intéressant ou inattendu soulève en soi la question de savoir qui, selon nous, peut atteindre Arete. Un spectateur perspicace regardant cette peinture contemplera ce que c'est que d'être humain et comment les idées d'excellence sont réalisées indépendamment des frontières culturelles et géographiques.

Le premier tableau de Ligare se concentrant sur ce thème (Arete) a été peint il y a plus de vingt ans (aujourd'hui dans la collection du Musée d'art de San José), présageant un calcul sociétal avec la race qui se passe actuellement dans notre pays. Son engagement avec le sujet soulève toutes sortes de questions, dont la moindre n'est pas celle de savoir ce que cela signifie pour un peintre caucasien de représenter un homme noir; et comment les moments historiques contemporains contraignent-ils notre opinion à ce sujet? Que Ligare célèbre, tout en reconnaissant la beauté de l'autre, peut être une réponse suffisante. La peinture attire l'attention sur le fait historique que les Noirs ont été largement exclus de nos institutions culturelles les plus importantes. Il nous rappelle que « le classicisme était un amalgame de styles et d'idées des temps les plus anciens et les plus enfumés. Il a absorbé quelque chose de toutes les cultures avec lesquelles il est entré en contact, de l'Égypte et de l'Afrique à l'Asie, créant ainsi un idéal extrêmement inclusif plutôt qu'exclusif. Pourquoi alors un public devrait-il limiter lui-même ses attentes visuelles?

Il est intéressant de noter que les anciens Grecs avaient une solide tradition de peinture de poterie à figures noires sur leurs vases qui représentent de nombreux récits mythologiques connus illustrés par Ligare. Les anciens potiers athéniens appliquaient une engobe qui devenait noire lors de la cuisson, et qui a ensuite été augmentée d'autres couleurs et incisions. Les figures noires ressemblent à des silhouettes et bien qu'illustrent des scènes hellénistiques, au 4ème siècle avant notre ère, il était courant de représenter les peuples noirs d'Afrique que les Grecs appelaient les Éthiopiens (Éthiopiens), qui habitaient la région de l'autre côté de la mer Méditerranée dans la zone géographique s'étendant de la partie supérieure Nil à certaines parties de l'Afrique subsaharienne. L'avancement de l'excellence et de la vertu de Ligare est illustré dans la description d'Arete par l'historien de l'art JJ Pollitt comme «l'excellence innée des natures nobles qui leur confère compétence et fierté dans leurs efforts humains, mais l'humilité devant les dieux». Que Ligare soit revenu sur cette composition nous dit qu'il pense que c'est un message qui mérite d'être répété.

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Sidney Tillim et la résurgence de la peinture narrative

Ligare s'est d'abord engagé dans son style artistique mature dans le à la fin des années 1970, lorsqu'il a rejoint un petit groupe d'artistes courageux qui a relancé la peinture narrative à une époque où le pop, le minimalisme et l'art conceptuel étaient à leur apogée. Un essai du peintre et critique Sidney Tillim, «Notes sur la peinture narrative et historique», dans Artforum en 1977, dans lequel il plaidait en faveur d'une «représentation réfléchie», a renforcé la décision de Ligare de poursuivre ce qui était alors considéré comme un style dépassé et dépassé. . Ligare avait vu pour la première fois l'une des peintures de Tillim au Whitney Annual cinq ans plus tôt ; Ligare se souvient «C'était une image grossièrement peinte de personnages de la période coloniale américaine dans un paysage», intitulée «Le comte Zinzendorf épargné par les Indiens». Il la trouva d'une originalité saisissante. Les artistes contemporains ne peignaient pas des histoires, pas de manière concertée, et certainement pas sur un thème historique. Quelques années plus tôt, Alfred Leslie avait réalisé une série de peintures, « The Killing Cycle », influencée par diverses calamités de sa vie, notamment la mort de son ami, le poète Frank O'Hara ; mais ils n'étaient pas exactement l'accent historique que Ligare poursuivrait. Ligare était moins intéressé par les sujets contemporains personnels et a trouvé l'attrait d'illustrer des idées philosophiques fondamentales pour avoir une plus grande résonance.

Tillum se réengage de diverses manières avec un style de peinture expressionniste abstrait, mais se lance également dans une série de peintures narratives basées sur des films hollywoodiens au cours des années suivantes. De manière significative, cependant, Tillim a donné à Ligare la voie qui conduirait à son engagement avec l'histoire classique, expliquant dans son essai de 1977 pourquoi la peinture narrative était nécessaire, exhortant « une morale didactique ou son équivalent doit également soutenir et valider ce qui revient à un nouveau – ou renouvelé – effort pour illustrer la croyance. pourtant, Ligare croyait qu'il était radical « de faire des peintures qui retournent aux origines ». Les déclarations d'innovations artistiques, ou l'affirmation que quelque chose constitue le statut d'avant-garde, interprètent généralement mal l'histoire de l'art et l'inévitable supplantation d'un style ou mouvement artistique par un autre. Pour Ligare, ce cycle sans fin nous distrait de «l'impact que l'art contemporain pourrait offrir à la culture en général».

Avant le travail narratif fondateur, Ligare a réalisé une série des peintures influencées par les restes de la sculpture hellénistique endommagée et fragmentée ; où il était courant que des appendices manquent. Les restes de sculptures autrefois complètes, comprenant généralement uniquement la robe ou la tunique du sujet, contenaient néanmoins un grand art, évident dans les plis des vêtements et la forme encore visible du torse. Après avoir visité la Grèce lors d'une tournée de fin d'études secondaires en Europe, Ligare a peint une série de draperies flottant au-dessus de l'océan, comme jetées en l'air, chacune portant le nom d'îles grecques. C'était son engagement initial avec des références classiques; un Ligare dit qu'il a également été influencé par la photographie de performance conceptuelle et pop de l'artiste pop John Baldessari «Throwing Three Balls in the Air to Get a Straight Line» (1973).

Le style narratif, que Ligare s'est finalement approprié lui a permis non seulement de représenter des scènes qu'il a été dessiné pour rendre visuellement, mais il lui a permis d'honorer les principes classiques qu'il voulait promouvoir, tels que les concepts de géométrie et d'équilibre. Ainsi, un spectateur, ignorant du récit fondateur présenté, pourrait encore involontairement avoir des idées de mesure et d'harmonie imprégner sa conscience en regardant les peintures. L'intention plus grande de Ligare, cependant, était d'explorer la connaissance et certaines idées philosophiques, élevant ainsi la qualité durable des images qu'il réalisait. Ces peintures narratives l'ont placé dans une riche histoire de réflexion sur certaines vérités permanentes et ont contribué à distinguer son travail des peintres narratifs contemporains représentant des scènes quotidiennes de la vie contemporaine et des drames modernes; celles qui témoignent et suscitent également la contemplation d'idées sérieuses, mais des histoires pas également enracinées dans une tradition d'analyse philosophique.

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Et in Arcadia Ego / Même en Arcadia, il y a I

Dans la peinture d'un paysage avec « Arcadian Shepherd, ou, Et in Arcadia Ego » (« Même en Arcadie , there am I ») (huile sur toile, 50 x 72 pouces, 2021), Ligare fouille un sujet classique relatif à la mortalité. Il fait référence à des peintures sur le même thème du peintre baroque français du XVIIe siècle Nicolas Poussin qui a également utilisé la composition du berger et de la tombe pour évoquer l'impermanence. Le sujet est une scène pastorale, avec un jeune homme aux cheveux bouclés et torse nu, debout à côté d'une stèle grave, au milieu d'un troupeau de moutons qu'il garde. Le titre en latin alerte le spectateur sur le message que Ligare veut communiquer. Le « je » de l'inscription fait référence à la mort et évoque un memento mori. Même dans ce lieu idyllique, nous devons être conscients que la vie est éphémère et qu'il n'y a pas de permanence ; que la mort est quelque chose qui nous attend tous.

Dans une version de ce thème, peinte en 2016, Ligare a réalisé une sculpture dans le sarcophage de pierre qu'il a représenté; une avec un bas-relief de l'une de ses propres peintures narratives, La mort de Patrocle (1986), elle-même influencée par la peinture de Titien de 1558 de la mise au tombeau du Christ. Dans la version des galeries LewAllen, la pierre tombale a un seul personnage masculin tenant une fleur, symbole de la fragilité de la vie. Ligare considère le trope Et in Arcadia Ego comme essentiel, notant qu'il « est une évocation du paradoxe ultime: que nous vivons nos vies, idéales ou non, avec la conscience constante de notre propre mortalité. »

Alors que d'autres artistes ont soulevé le thème de la mortalité, en le faisant dans le contexte de cette phrase latine lourdement chargée et du propre engagement de Poussin avec elle, Ligare ajoute une couche à un thème, l'enrichissant ainsi et rejoignant une longue conversation. Des écrivains du poète romain Virgile à l'historien du vingtième siècle Erwin Panofsky se sont penchés sur le motif et sa signification par rapport aux peintures de ce veine particulière; soulever des questions quant à savoir à qui se réfère le «je»; le berger, le spectateur, l'inconnu enseveli ou la mort elle-même ? Ligare fait peut-être référence à la mort de toute une culture plutôt qu'à celle d'un individu. Surtout, il n'oblige pas à une réponse particulière ; la subjectivité est forcément admise, mais il insisterait sur le bien-fondé de l'engagement.

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Gustave Courbet : Représentation vs Réalisme

Bien que Ligare soit un artiste figuratif, il contraste avec Gustave Courbet, dont le réalisme s'intéressait principalement à décrire avec précision la vie contemporaine, y compris toute sa granularité et sa banalité. Bien que Ligare ait la capacité technique de rendre les chiffres dans ce que le téléspectateur moyen dirait comme réaliste, il ne pratique pas le réalisme en soi ; il stylise ses figures, les idéalise en enlevant certains détails et imperfections. Ce faisant, il veille à ne pas abandonner la chose la plus importante à propos de l'art figuratif réussi – capturer l'intégrité essentielle de la personne ou de l'objet vu, une qualité que nous possédons tous, quelque chose dont toutes les choses sont dotées. Cette intégrité est quelque chose de distinct de l'exactitude ou de la perfection. De cette façon, la physionomie idéalisée de Ligare en vient à représenter non pas un individu en particulier, mais toute l'humanité ; peintures de tout le monde, qui, si elles sont comprises dans les vérités qu'il veut éclairer, renforcent également que ces histoires sont partagées et ont une application contemporaine.

Alors que Courbet a voulu mettre en valeur l'homme ordinaire avec exactitude, Ligare l'accomplit en illustrant des mythes qui font de chaque homme quelque chose de plus que la moyenne; ce qu'il fait en éclairant des vérités sur l'être humain et en mettant en évidence la gamme d'épisodes que chaque vie contient. Les personnages de Ligare ne sont pas performatifs, ils ne prétendent pas être communs, ils sont, en fait, tout le monde parce que ces leçons de morale se répètent dans toutes les vies. Bien que peignant différemment de Courbet, Ligare engage le présent comme Courbet l'a fait. Ligare nous rappelle que la mythologie ne doit pas être considérée strictement comme des histoires sur les dieux, mais plutôt comme la collision d'hommes et de femmes ordinaires avec les forces divines. Il présente ses sujets avec sincérité, sans artifice. Ligare n'ajoute pas tant de faux que de polir la scène pour l'exalter et l'élever, à la hauteur de son statut de mythe. Cela ne le rend pas précieux mais projette une grandeur qui englobe la majesté d'une culture.

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Polykleitos & Symmetria

Pour atteindre l'intégrité de la représentation dans la tradition du classicisme, Ligare utilise la sculpture polyclétienne grecque comme point de référence. En utilisant la photographie, il place des images d'un plâtre ou d'un marbre ancien moulé dans la pose qu'il rend, en l'associant aux photos de référence d'un modèle avec lequel il travaille, ce qui jette les bases du look classique qu'il cherche à obtenir. L'ancienne notion d'équilibre entre les forces antithétiques est un thème classique récurrent et essentiel pour comprendre les attitudes de Ligare envers la structure d'un tableau. De cette façon, il est redevable à Polykleitos, le sculpteur grec du Ve siècle avant notre ère d'Argos, qui se souciait de la façon dont un bras devait être rendu tout en maintenant l'équilibre avec l'autre. Pas dans une symétrie exacte, mais plutôt, il a réfléchi sur la poussée et l'attraction de la présentation ; un bras peut être dirigé vers l'avant, tandis que l'autre, au contraire, est plié dans une autre direction. Polykleitos s'est prononcé sur la rotation d'un torse et sur la manière appropriée de représenter la tête d'une personne inclinée. Ses réflexions en ce sens comprennent une sorte d'Homme de Vitruve primitif ; Polykleitos a cherché à définir des mesures idéales.

Polykleitos a appelé son système de proportions symmetria, ce qui ne se traduit pas directement par symétrie, mais constitue l'équilibre de choses fondamentalement inégales. Tout comme différentes parties du corps ont des fonctions différentes, la symétrie est l'harmonisation de ces unités les unes par rapport aux autres. Polykleitos était redevable au philosophe et géomètre grec Pythagore (actif à la fin du VIe siècle av. Tous deux ont convenu que la symétrie n'était pas seulement les proportions du corps, mais faisait également référence aux lois de la nature et aux fonctions des personnes dans une société intégrée ; une sorte de commensurabilité et d'intégration des parties.

Bien que le traité de Polykleitos sur la base mathématique de la forme idéalisée du corps masculin n'ait pas survécu à la modernité, ni aucune de ses propres sculptures, des copies en marbre de celles-ci par des sculpteurs romains existent et sont très prisées (par exemple le Doryphore, ou «Porteur de lance», au Museo Archaeologico Nazionale, Naples). Ce sont ces versions romaines auxquelles Ligare fait référence alors qu'il recherche l'intégrité de ses propres sujets.

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Allégorie de la grotte de PlatonphpThumb generated thumbnail 2

Au moment où Ligare a commencé ses peintures narratives fondamentales, il prêtait déjà une attention particulière à la lumière du soleil; peu à peu il en vint à représenter la vérité et l'illumination des idées. Ayant grandi près de la plage du sud de la Californie et travaillant à l'extérieur en tant qu'artiste de plein air, Ligare était ancrée dans le rôle joué par la lumière dans la mise en évidence et l'unification des zones d'une composition, affectant la surface et les contours. Bientôt, il a senti son importance symbolique et comment cela pouvait être assimilé à la connaissance, l'érudition et l'apprentissage. Ligare l'a appelé « un symbole de connaissance radicale » suggérant des liens avec l'illumination.

Ligare utilise la lumière de fin d'après-midi dans ses peintures pour représenter le passage du temps et l'épuisement de la lumière du jour comme pour augurer l'arrivée imminente de l'obscurité. Le seuil entre le jour et la nuit, ce que l'on appelle « l'heure d'or », a un riche symbolisme qui s'y rattache. Ligare a déclaré : «J'aime la beauté radicale de cette lumière de fin d'après-midi avec ses ombres qui l'accompagnent car, malgré sa luminosité, il y a un côté mélancolique, un rappel de la mortalité.» Il est important de noter que la source de lumière dans le travail de Ligare entre généralement dans la composition par la gauche ou la droite, bas et à angle droit, accentuant le sentiment d'approche du changement et établissant des analogies avec les aléas de la vie. En conséquence, les sujets sont représentés dans une lumière et une ombre partielles, et contiennent l'équilibre des contraires si critique pour la pensée grecque antique.

Ligare fait référence à l'emblématique «Allégorie de la grotte» de Platon lorsqu'il discute de l'importance de la lumière du soleil. Le contraste entre la primauté du soleil et la fausse lumière de la grotte est significatif pour Ligare, étant donné que l'illumination des idées est au cœur de son propos artistique. L'allégorie de Platon (présentée dans son dialogue socratique « La République », vers 375 avant notre ère) pose la question de savoir si l'éducation et l'exposition aux vérités peuvent surmonter les ombres projetées sur un mur; des images qui ne font qu'approcher la réalité. Comme Ligare le sait bien, et que Platon semble avoir voulu exposer, beaucoup ne veulent pas être libérés, préférant le familier, indépendamment de son approximation de la vérité, ou de son absence.

Dans l'allégorie, Socrate dialogue avec Glaucon, le frère de Platon. Socrate raconte l'histoire d'un groupe de personnes qui passent leur vie entière enchaînées à la paroi d'une grotte. Ils vivent face au mur et n'observent que les ombres projetées par les choses qui passent devant un feu derrière eux. Les ombres en viennent à représenter la seule réalité que ces captifs sont autorisés à expérimenter. Socrate s'intéresse à ce qui se passe lorsqu'un prisonnier est libéré de la grotte et rencontre le soleil, en fait lorsqu'il fait l'expérience de la vérité. Platon appelle le soleil «le gardien de tout dans le monde visible». Pourtant, l'ironie, malheureusement, c'est que les autres captifs se contentent de vivre leur vie dans l'ignorance.

Cassandre & Paysage avec Flèche

Deux tableaux dans le LewAllen L'exposition de la galerie fait allusion à la frustration de Ligare envers la société contemporaine affligée par ce qu'il croit être un manque de connaissances, semblable aux idées exposées par Platon dans son allégorie. Il oppose cela à l'engagement du classicisme avec les idées et le désir d'érudition. Dans la société contemporaine, un grand nombre de personnes considèrent les mensonges, même ceux qui sont manifestement faux, comme dignes de confiance. La science est ignorée et les politiciens échappent à la responsabilité en inventant des contre-récits remplis de tromperie. Le souhait de Ligare d'inspirer une plus grande connaissance à travers la peinture semble invraisemblable dans ce contexte. Pourtant, il défend la conviction que le travail de la culture est de nous donner envie d'être éduqué.

La peinture de Ligare « Cassandre » (huile sur toile, 72 x 48 pouces , 2021) pourrait facilement être autoréférentiel. Elle connaissait les calamités qui l'attendaient mais personne ne voulait l'écouter. Dans la mythologie grecque, Cassandre est une figure particulièrement tragique. Le dieu Apollon l'admire pour sa beauté et lui donne le pouvoir de prévoir l'avenir, mais après avoir fait rejeter ses avances amoureuses, il maudit Cassandre en rendant ses prophéties incrédules. Ligare dépeint le voyant fixant directement le spectateur comme s'il implorait l'action; l'attend d'urgence. La sœur cadette d'Hector et de Paris, Cassandra a été prise par Agamemnon de Mycènes comme sa maîtresse esclave après le sac de Troie. Plus tard, elle connaîtra le même sort qu'Agamemnon ; elle a été tuée par sa femme Clytemnestre.

Dans « Paysage avec flèche » (huile sur toile, 20 x 32 pouces, 2021), Ligare peint une flèche semblant flotter dans le ciel. Il est pointé de droite à gauche, contrairement à la composition habituelle de gauche à droite que la culture occidentale privilégie. Ligare affirme la nécessité de s'engager et d'apprendre du passé. Il note que  » chanter l'histoire nous permet de regarder au-delà de tous les aspects superficiels et parfois déplaisants des cultures anciennes (ainsi que la nôtre), de nous concentrer sur les réalisations extraordinaires des anciens et de les considérer comme des exemples de la façon de penser profondément, comment agir en utilisant jugement rationnel et insuffler une excitation à exceller. La conviction de Ligare que l'histoire peut nous enseigner et nous faire avancer reste inviolable.

Les idées de Ligare continuent de résonner parce qu'elles sont inépuisables dans leur sens le plus profond et liées à une riche histoire d'engagement philosophique, comme en témoignent les nombreux penseurs qui se sont penchés sur le sens de la beauté ou la justice, ou l'une des questions de moralité pertinentes aujourd'hui. Pour Ligare, ces peintures combattent l'anti-intellectualisme car elles s'opposent à tout sentiment dénigrant l'érudition. Ce sont des voix significatives dans les traditions du libéralisme ; un patrimoine foisonnant d'enseignements pour l'humanité. Mais nous, les téléspectateurs, devons être assez courageux pour nous engager avec ces images. Ligare déclare que «c'est maintenant le travail de la culture: nous donner envie d'être éduqués, enflammer notre passion pour la connaissance et nous inspirer à penser aussi profondément et aussi créativement que les anciens.»

Ligare n'est pas un peintre pour un public désengagé. Pour comprendre ses toiles, le spectateur doit s'immerger dans des idées riches. Ceux qui souhaitent renoncer à l'expérience, par manque d'engagement, manquent l'opportunité d'acquérir une étendue de connaissances qui ne sera pas atteinte en regardant des œuvres d'art qui effleurent la surface avec des idées sans effort. Oui, tout art offre quelque chose à apprendre, mais Ligare exhorte et même oblige à un engagement plus érudit avec des idées durables. La récompense, ancrée dans ce que c'est que d'être vertueux, promet d'être durable. –Matt Gonzalez

phpThumb generated thumbnail 2« Présence du passé, » à Lewallen Galeries à Santa Fe, Nouveau-Mexique, jusqu'au 8 janvier 2022

phpThumb generated thumbnail 5Sources:

)JJ Pollitt, «Art and Experience in Ancient Greece», (New York: Cambridge University Press, 1972).

Sidney Tillim, «Notes sur la peinture narrative et historique», dans Artforum (mai 1977).

“[Untitled artist statement]” dans “David Ligare, Paintings,” (Monterey, CA : Monterey Museum of Art, 1997).

phpThumb generated thumbnail 2Elaine Scarry, « Sur la beauté et être juste ” (Princeton, NJ : Princeton University Press, 2001).

David Ligare , « John Steinbeck and the Pastoral Landscape: An Artist's Viewpoint, » Steinbeck Studies (The Center for Steinbeck Studies at San Jose State University), automne 2002.

phpThumb generated thumbnail 2 «Reconstructions critiques, une interview de David Rush», dans David Ligare, Aparchai (San Francisco: Hackett-Freedman Gallery, 2007).

«Déclaration de l'artiste» dans «David Ligare, New Paintings», (New York: Hirschl & Adler Moderne, 2012).

phpThumb generated thumbnail 2David Ligare, «Sur l'utilisation de l'historique» ( Monterey, Californie : Cypress Press, 2 016).

phpThumb generated thumbnail 10James Nisbet, «La peinture d'histoire après l'art conceptuel», dans «Qu'est-ce que la peinture d'histoire et qu'est-ce que c'est maintenant?», éd., Mark Salber Phillips & Jordan Bear, (Montréal et Kingston: McGill-Queen's University Press, 2019).

« [Untitled artist statement] » dans « David Ligare, Elements » (Santa Fe, NM: LewAllen Galleries, 2019).

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